Videos

The aesthetic of Beat Kuert's work has many parallels with painting: exaltation of motion, the attention to color, light and shadow while apparently neglecting the narrative aspect. However, on a closer look we recognize that narrative has not been ignored, but employed to convey those segments of reality which are usually invisible or hard to perceive. His art is based on the synergy between live performance, videoart and the selected (and edited) video stills which crystallize into photoprints. His intention is to create events in which the observer isn't only a spectator but ends up partecipating in the action. For his events and installations he writes poetry and commissions ad hoc soundtracks, working closely with a group of young artists. His art is complex and not always immediately accessible. We could say it demands a careful elaboration of all visual, textual and acoustic fragments.  (Novella Prestigiovanni)

HEART-MACHINE : Heart-Machine references Fritz Lang’s film Metropolis. Conceived and built as a three-level city, Metropolis comprises workers’ quarters, machine rooms and city planners. Different scenes are filmed with the same cast, presenting the observations of individuals who inhabit this peculiar world. The videos start playing in a synchronous mannerly but over time the imagery shifts more and more. However, from the front the images are transformed into one single image in despite of the fact that the screen is divided, signifying the socio-political structure of Metropolis. My new Project reaffirms the continual relevance of this existential topic in our high-tech globalized world. While the natural world, society and science continue to evolve, however, the human dilemma remains. The contrasting components present my response and

interpretation, offering a journey of exploration through the use of biblical, historical and fictional narratives, unlocking our personal perceptions.

HEART-ATTACK

GRAVE NEW WORLD 

 A woman, whose only legs and boots are framed, enters an abandoned house; at the sound of his footsteps, the dormant spirits that populate the building awaken. The scenario seems almost apocalyptic: the ghosts rise from piles of rubble, come out of the walls, seem to come back to life. However, at the end of the video, the hand that had gently opened the door of the past, in the same way, closes it again.  

NEBBIA

VENICE PERFORMANCE (St. Marcus Squaire)

THE END: A girl repeatedly throws a watermelon against the wall, crushes it under her feet and devastates it, smearing the kitchen floor. The shots are mounted with an extremely syncopated rhythm so that, in some moments, such a sudden sequence leads them back to photographic images. The sound of the pulp of the watermelon, pounded by the feet of the protagonist, recalls the "click" of the camera. Colors such as lemon yellow, primary red and green prevail. The girl, after having dismembered the watermelon, avidly tastes the juicy contents, until it bites the fruit, thirsty. What is the best way to understand things? Breaking the boundaries, facing them, digging them to the end, scrutinizing the deepest details, savoring them, grasping their essence.

INCOLORE PAOLA: The waves of the sea break in a specular manner. A feminine silhouette rises and falls, creating a sort of graceful ballet that recalls the movement of the waters. Nature and technology contaminate each other, even in sound. Through a game of mirrors and images that multiply, the video represents a sort of homage both to the tradition of video art, and to the infinite creative possibilities opened up by the use of information technology.

SECRETS OF A WATERMELON:

In the video work Secrets of a Watermelon (9’47” Video 2007), he creates a multiple narrative structure around a girl and a watermelon and the elusively complex implications between man and object, between people, between man and incidence; he uses these symbols to create a labyrinth of language. Does the artist see the watermelon as a lover? Or as a baby? As a sex toy? It seems that love is also an injury that accompanies you and dialogues with you day and night, meets you in your dreams and fights with you in reality. The destroyed watermelon can be food as well as blood flowing from a wound... these images make up the dual contradictory relationship between the body and matter. (And one day I had my days and I was thirsty for blood, for blood - blood-red flesh the flesh of a watermelon) These lyrics cause a displacement in our interpretation of the video work; here, if the watermelon is not an object or a person, then what is it?   (Zhang Xiaotao)

HH

BACKSTAGE, VENICE

PERFORMANCE DONNA CARNIVORA

AD LUCEM

 Cinema

SCHILTEN

Television

HR GYGER  : Hans Ruedi Giger  (5 February 1940 – 12 May 2014) was a Swiss painter, best known for airbrush images of humans and machines linked together in a cold biomechanical relationship. Later he abandoned airbrush work for pastels, markers, and ink. He was part of the special effects team that won an Academy Award for design work on the film Alien. In Switzerland there are two themed bars that reflect his interior designs, and his work is on permanent display at the H.R. Giger Museum at Gruyères. His style has been adapted to many forms of media, including record album covers, furniture, and tattoos. (Wikipedia)

SOPHIE HUNGER : Sophie Hunger (born 31 March 1983) is a Swiss singer-songwriter, film composer, multi-instrumentalist (guitar, blues harp, piano) and bandleader, living currently in Berlin.

Beat Kuert’s videos

Incolore

Le onde del mare si infrangono in maniera speculare. Una sagoma femminile sorge e si sdoppia, dando vita ad una sorta di balletto leggiadro che richiama il movimento delle acque. Natura e tecnologia si contaminano a vicenda, anche nel suono. Attraverso un gioco di specchi e di immagini che si moltiplicano, il video rappresenta una sorta di omaggio sia alla tradizione della video arte, sia alle infinite possibilità creative aperte dall’uso delle tecnologie informatiche.

The waves of the sea break in a specular manner. A feminine silhouette rises and falls, creating a sort of graceful ballet that recalls the movement of the waters. Nature and technology contaminate each other, even in sound. Through a game of mirrors and images that multiply, the video represents a sort of homage both to the tradition of video art, and to the infinite creative possibilities opened up by the use of information technology.

Diana’s hat

Una televisione priva di trasmissione, la musica del grammofono, un busto stilizzato, alcuni cappelli che volano, gli uccelli, una persona che nuota nel mare, i gabbiani, le macchie scure si susseguono agli occhi dello spettatore, rendendo il video particolare ed enigmatico. Tutto è rigorosamente in bianco e nero. A tratti, Kuert sembra essersi ispirato al geniale incisore olandese Maurits Cornelis Escher.

Steps that stay

Il video gioca con i pixels e con la metamorfosi delle immagini che si alternano a ritmo di musica. Il volto dolce e ingenuo di una donna è trasformato in quello di un mostro inquietante dalla sovrimpressione di un busto femminile: i capezzoli e il pube prendono il posto degli occhi e della bocca, caricandone i lineamenti di aggressività e disumana ferocia. La trasformazione dei fotogrammi è repentina, ipnotizzante, tanto che, ad una prima visione, alcuni dettagli sfuggono: ad esempio, quella che si manifesta come un’attraente e colorata farfalla, in realtà, è un organo genitale maschile.

Angst vor dem Licht

Pervasa dall’inquietudine, una donna percorre un labirinto domestico, apparentemente senza via di uscita; nell’aspetto, la protagonista rievoca le attrici dei film muti. Improvvisamente, sul fondo si scorge una luce. La donna sta scappando da se stessa, ma lo comprende soltanto dal momento in cui inizia a porsi alcune domande; simbolicamente, ciò avviene quando l’attrice comincia a bussare alla porta. L’ansia cresce, mentre l’inquadratura, via via, assume sempre più colore, con una prevalenza di tinte pastello. La conclusione del video è consolatoria: in fondo, il pianto sembra potersi trasformare in un sorriso.

 Battaglia

Due donne inscenano una battaglia dai movimenti iterativi. Il monocromatismo con viraggio seppia e la colonna sonora richiamano lo scorrimento della pellicola cinematografica. Dunque, in questa ottica, il video appare come una personificazione della pellicola stessa.

 Lo specchio

Lo specchio è lo strumento attraverso il quale ognuno di noi può vedere il riflesso della propria immagine; eppure, lo specchio, per Kuert diventa anche un mezzo attraverso il quale sondare la propria interiorità, soprattutto in un momento di crisi o quando si è assaliti dal dubbio. Lo schermo è suddiviso in sezioni che mostrano campi differenti o amplificano l’immagine, mostrandone i dettagli. La musica è incalzante e sottolinea lo stato di inquietudine di una donna in viaggio, che cammina frettolosamente, con la valigia in mano, portando dentro di sé le proprie incertezze.

Grave new world

Una donna, di cui sono inquadrate solo le gambe e gli stivali, entra in una casa abbandonata; al rumore dei suoi passi, gli spiriti assopiti che popolano l’edificio si risvegliano. Lo scenario sembra quasi apocalittico: i fantasmi si rialzano da cumuli di macerie, escono dalle mura, sembrano tornare a vivere. Tuttavia, alla fine del video, la mano che aveva delicatamente aperto la porta del passato, allo stesso modo, la richiude.

 Piuma

Una donna, di cui è visibile solo la sagoma – tanto che potrebbe sembrare anche una bambina – sta saltando sulla spiaggia; i suoi movimenti sono rallentati, mentre l’immagine è trattata in modo tale da apparire sfuocata, sfumata, alleggerita. Lo schermo è sdoppiato e mostra differenti movimenti e punti di vista; la musica è allucinatoria e iterativa. Il video restituisce un senso di libertà e di dimensione onirica.

 Corri

La silhouette di una donna attraversa il mare, correndo; le sue gambe, fortemente stilizzate, sembrano volare sulle onde, evocando un’atmosfera impalpabile ed eterea. Il motivo musicale è lo stesso di Secrets of a watermelon, elemento che conferma lo stretto legame tra la figura femminile e il simbolismo dell’acqua.

 Fiume

Il corpo sinuoso di una donna scivola nell’acqua; la musica ne sottolinea i movimenti aggraziati e sensuali. Lei indossa il vestito blu della riflessione, dei ricordi, mentre le parole, così come l’acqua, sembrano accarezzarla. L’elegante e rilassante video riesce a trasmettere la sensazione di benessere interiore vissuta dalla sua protagonista.

Secrets of a watermelon

È il video maggiormente complesso e interessante: evoca la maternità e, più in generale, il rapporto dell’essere umano con l’esistenza e il suo senso. Il mare, con le sue onde dai riflessi rosa che accarezzano la spiaggia, è l’emblema della femminilità, simboleggia il liquido amniotico. I sassi sul bagnasciuga sembrano ritratti con l’acquarello. La giovane protagonista è colta in una fase di riflessione. Prima osserva il mare, poi si avvicina all’acqua e vi bagna i piedi; un’anguria è immersa nell’acqua e si lascia cullare dalle onde. La musica sottolinea la dolcezza di questo momento, in cui l’essere umano si pone domande e si affaccia all’immensità del creato. È un video molto freudiano, permeato da un senso di sublime. 

The end

Una ragazza getta ripetutamente un’anguria contro il muro, la schiaccia sotto i piedi e la devasta, imbrattando il pavimento della cucina. Le inquadrature sono montate con un ritmo estremamente sincopato tanto che, in alcuni momenti, la successione così repentina le riconduce ad immagini fotografiche. Il suono della polpa del cocomero, pestato dai piedi della protagonista, rievoca il “click” della macchina fotografica. Prevalgono colori quali il giallo limone, il rosso primario e il verde.

La ragazza, dopo avere smembrato la anguria, ne assaggia avidamente il succoso contenuto, fino ad azzannare il frutto, assetata. Qual è il modo migliore per capire le cose? Rompere i confini, affrontarle, scavarle fino in fondo, scrutarne i particolari più profondi, assaporarle, coglierne l’essenza. 

A la playa

Il video può essere considerato come l’alter ego di Secrets of a watermelon. In questo caso, al contrario, il mare è increspato, di un blu profondo e inquietante; le onde incutono timore. Il rumore minaccioso del mare sembra pervadere il corpo di una donna sdraiata sulla spiaggia, sofferente. La donna, che rappresenta la vita, accetta lo spasimo con sopportazione, come un momento naturale e inevitabile dell’esistenza. Quasi, nel dolore sembra di intravedere una sorta di compiacimento.

 C-girls

Due ragazze si stanno drogando: una sniffa, l’altra fuma. Il loro atteggiamento richiama quello felino. La droga ha effetto, non solo sulle protagoniste, ma soprattutto sullo schermo, che si sdoppia: il segmento principale è in bianco e nero, mentre sulla destra ne compare un altro color seppia, in cui è evidenziata la risata di una delle interpreti.

Annabel Lee

Una musica sincopata accompagna il ritmo frenetico del montaggio e richiama le fiamme dell’incendio appiccato da un gruppo di ragazze forsennate. La stanza in cui si svolge il video è la cucina, tradizionalmente, il luogo femminile per eccellenza; le giovani donne protagoniste vogliono distruggerlo. Il fuoco è un elemento demoniaco ma, allo stesso tempo, anche catartico. L’arte è donna e, in questo contesto, la donna distrugge le consuetudini: il video rappresenta, dunque, la necessità dell’arte di essere rinnovata.

Rosso mortale

Due donne avvenenti, forse due prostitute, si contendono lo spazio angusto di una cucina. Tutto è tinto di un rosso grumoso, sanguigno. Basta un pretesto a dare adito ad una colluttazione: il ritmo sincopato del montaggio sottolinea la pregnanza del gesto – la ragazza bionda brandisce una padella e colpisce l’altra donna – e, al tempo stesso, lo rende fittizio. Quasi, l’espressione finale della ragazza bionda la fa apparire al di fuori di quanto accaduto: in effetti, lei non ha colpito realmente l’altra, che mentre viene trascinata come fosse un cadavere, è evidente che sia viva.

 Piatti

Una donna giace a terra, abbracciando alcune pile di piatti; poi si alza, lentamente, lasciandone cadere alcuni. Il colore preponderante è il bianco sporcato di rosa, spesso sovrastato da nuvole di fumo bianco-grigio. Le figure sono poco evidenziate, ma ombreggiate di nero; sono resi evidenti alcuni pixels, in particolare di colore grigio. La donna è sensuale nei gesti, ma anche grottesca e animalesca; effettua movimenti lenti, come se il suo corpo fosse pesante. Appoggia un piatto sul ventre, sotto un abbondante seno nudo; accarezza il piatto con passione e dolcezza, poi lo osserva. Le ombre, improvvisamente, prevalgono; la donna rompe il primo piatto, lasciandolo cadere a terra. Il fumo la avvolge, mentre, con lentezza, rompe altri due piatti. Il terzo lo distrugge ridendo e simulando più volte il gesto appena compiuto. La protagonista ride, perché prima ha mostrato dolcezza e poi, invece, efferatezza: è divertita dalla propria capacità di illudere, di passare con nonchalance da un’azione all’altra, da un sentimento all’altro. Mentre ride – una risata sguaiata e venata di sofferenza – l’inquadratura si sofferma sulla sua bocca spalancata e sul suo seno; si sposta, infine, sul basso ventre, oscurato dall’ombreggiatura. Quando la risata termina, la donna dai capelli rossi si ferma, rimane immobile, mentre il vento e il fumo la coprono e la scoprono. Un pensiero sembra impossessarsi della sua coscienza; si abbassa verso i piatti, con lo sguardo preoccupato e ne afferra altri. Con delicatezza, li porge dinnanzi a sé e li lascia cadere, ancora, ma stavolta con devozione e sentimento. Infine, si accascia su di essi.

 Da ridere

L’inquadratura è composta da diversi frammenti, non delimitati in maniera evidente. In ognuno di essi, una donna ride: la risata si perpetua e sembra originare una moltiplicazione dei frammenti che, di conseguenza, causa anche una riproduzione di altre immagini e risate identiche.

Field below

Una donna ingerisce un cavo della corrente, quello dell’aspirapolvere. I colori sono del tutto snaturati: troneggia l’azzurro, nell’ambiente domestico – una cucina – che circonda la donna, mentre lei è caratterizzata da colori accesi, rossi e arancioni. Le sue labbra sono evidenziate da un colore rosso infuocato. In un gioco di sovrimpressioni, la vediamo contorcere il cavo dell’aspirapolvere, con uno sguardo stralunato; eppure, in alcune inquadrature i suoi occhi sembrano mirare a qualcosa – forse al futuro – e il suo volto emana energia e determinazione. In alcuni momenti il cavo sembra stringerla troppo – è lei, tuttavia, che lo stringe con forza a sé – soprattutto quando la protagonista apre la bocca e vi infila il cavo, fino a provocarsi una smorfia di dolore e disperazione. Culminata la sofferenza, la donna si abbassa ad accarezzare l’aspirapolvere, lo sfiora con il proprio corpo e si avvinghia ad esso, finché si prostra al suolo, con gli occhi sbarrati e priva di sensi.

 L’assassino

Un uomo e una donna sono avvinghiati, in preda alla passione. Lei è prorompente, vitale; lui è assetato di lei e giunge a stringerle un foulard al collo. Una infantile ninna nanna fa da contrappunto a questa scena grottesca. Si tratta di una voce che cerca di tenere assopito l’istinto animalesco e aggressivo dell’uomo?